作者：波利

香港藝文界文化按摩師屬於老牌的公眾文化項目，記憶中早年的藝評班與立場新聞有合作刊登出色的藝評作品，後來沒有再舉辦真是可惜。不過藝文項目之多，總不能一項又一項的重複，他們的做法我亦是支持。計劃亦獲藝術發展配對資助計劃資助，此計劃可謂政府藝文資助的最高殿堂，需要有獨立的籌資能力才可申請，這背面亦反映到文化按摩師多年來的聲譽、努力以及為公眾文化所做的貢獻。

偶爾經過香港視覺藝術中心也會欣賞到Gaybird的《急救箱和許願池》，而今天很幸運，在網上也能觀賞到另外兩個實驗性的新作品，兩個作品中對幾何的應用對今天的題目也十分貼切。波利這裏先簡述一下兩個作品，然後也對活動及題目來點輕鬆的回應。

利用數字或幾何創作存在兩個分野：一是僅以數學作為工具，二是以數學作為靈感甚至探究數學本身。Gaybird的作品可以說兩者皆是，不難想像無論是以3D動畫或是機械臂對數學中向量的理解及應用必時技術上最重要的地方，但更有趣的是他的作品更探究數學其中的特色，構成了以數談數的有趣處境，這是在大構圖上的有趣展現。

作品一《Story of pattern》Gaybird在訪談中談到是以有序的小系統伸延擴將造成失序的大系統作為靈感，雖然作品並未走到失序，但似乎身處的位有更大的關聯與對失序的想像。主旋律中採用了數列的概念，而細處亦使用幾何抽象處理樂器的聲音與形態造成了聲音與畫面的諧協。

作品二而更是對數學史的重大回顧，在幾何學中其中一個最重要的一步便是歐幾里德幾何過渡到非歐幾何，機械臂加上球體與光影，只花數秒便穿越了千年的時間。

描述無限某程度上也是很多藝術家的追求，方法如何也許需要畢生去鑽研；但數學上在遠古已經出現，時至今天隨便一個中學生論證微積分的時候也會輕鬆用上，純粹理性又贏一仗，似乎數學對藝術的啟發性還有很多可延展的空間。差點想談到康德的Sublime，還是留待日後吧。

雖然座談時三位嘉賓顧慮節目的廣泛性沒有談得太深，但在回頭找尋數學上的關連自是發人深省，題目太大要在一兩小時說清絕對是陳義過高。遺憾的是要是三位猛人在交流時段多點交談，必是錦上添花之筆，例如前天文台長陳本瀅博士的光影錄像作品，Gaybird也以多媒體藝術工作者的身份點評一下，必然會令整個節目更加精彩。

節目回顧：連結

*照片由香港藝術中心提供

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作者：波利

每兩個月商業畫廊便換一批展覧，適逢HQueen的畫廊大都進行個展，正是適合看展的時候。辦聯展比辦個展困難，在於往往有多於一個目標；而商業個展相對自辦個展而言，目的就僅是說好藝術家的故事，如此吸引買家的行為，卻帶來如此純粹的反省，亦是有趣。而佩斯畫廊的《洪浩》可以說是商業個展的教科書，展品不算多，不費文字敍述，三言兩語便把藝術家二十年的心路說完，觀者自有藝術家回首看自己過去二十年藝術發展歷程之感。

展覧是個倒敍法，先是較近年的《反光》《萬相》系列，自然是精采，回頭再看則是感嘆藝術家從來沒有離開過自己的跑道，並是隨時間日漸精進的探求。而這個故事不妨由2001年說起。洪的早期創作便是類近《負片》的實物掃描拼砌作品，利用現成物反映時代現況之餘，在藝術家決定反轉物品抽取輪廓之時，他的藝術之路可謂正式展開。

除了創作的原委，例如這幅《結算》的色彩與佈局便充分反映了藝術家拼砌方面的技藝，這個課題與技法可以說是貫穿了整個展覽甚至藝術生涯。

而藝術家並不滿足如此，展覽中部亦展覽了一系列糅合中式書畫與生活照的一系列作品。這些生活照並不是一般的生活照比方說雅集系列便是藝術展開幕式所拍攝的照片對應着中式書畫中文人雅士聚會的情景。正讓人想起王羲之蘭亭序中最後一句「後世之覧者，亦將有感於斯文」的精神，後世的人不僅對雅士的聚會有所神往，更用如是當代藝術的形式回應，相信王右軍亦始料不及。

順着時序我們回到一開始的抽象系列，雖然輪廓一詞概括了藝術家近期不同系列的創作，但內裏的課題展現着輪廓的不同面向，亦是具象物的不同角度抽取轉化，例如反光便是輪廓與反光面的相互影響。縱觀隨意，但實際上理性得很。面目模糊後消除了單一的時代性，說的是物件的故事。

不過話說回來商業個展的不好處便是展出的多是經典款式，2015以來藝術家的數個展覽內容都是近似，對了解一個藝術家雖然有利，但談到其他不循繩墨的嘗試，可能就只能日後再看了。哈，或者如他們所想的，聯絡畫廊職員。

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作者：波利

這是一個最令人不安的展覧，並不是說內容，而是整天有個大叔在打乞嗤。開個玩笑，說的只是影片裡的大叔；在疫症橫行的時候，氣氛令人神經緊張，也可以說這也是其中一個展覽上帶來的訊息。

先談一談藝術家Mika本身在超現實的領域進行了很多創作，而在2019年正式加盟了top tier的豪瑟沃斯（Hauser & Wirth）畫廊，作品的環球曝光機會更加隨之而上升，展覽中不難看到策展方鳴謝畫廊的語句。

寫到這裏我也體會到策展方撰寫介紹的困難，因為如果單單籠統地說藝術家描寫的是有關資本主義和經濟分配的特性和弊端時，這似乎仍有點偏頗。始終我認為批判的不是一個經濟理念而是，社會構成這種自然而然的走向及人們無意識的接受才是藝術家所想喚醒的地方。雖是這樣，藝術品本身仍有很多各項元素可以在這主線以外分開探索的。

由於大部份展品都是影片，波利也很難拍攝什麼相片。礙於自己的體質，看某些類精神污染或直接意識接觸的影片是很容易有些反應，部份影片或只能強行跳過。例如《發電機》中有部份模擬管道或液體的片段，聲浪還是令人不安。相對《沒有鼻子知道》中還有少許的故事線或脈落可隨，雖說是無意識的聯繫，但對於入門者而言尚算有跡可尋。

若是只打算簡單了解一下藝術家或這類藝術的朋友，不妨集中看完《意粉區塊鏈》。因為它運用了ASMR技術，不難容易有直接的感受，同時無意識以及片段的揣測性亦是藝術家主要的特色之一。《乞嗤》亦是另一部簡單明快的影片總結整個展覧題材。

若偏要解釋聲音便是主軸，有部落的女歌手唱歌的聲響，聲音借代的便是萬物運作的借代語言。機器的運作，收割機的運作，蜜蜂的運作，幻化至社會的運作仍然運作的目的不必然嘴唇茶。例如旋轉棉花糖的壓碎，化學物的燃燒，同樣指向在這運作的定律。世界的運行不一定在於建設，有可能要在於破壞，指明了世界的一種無序性。當然這不是無政府主義者的那種強烈控訴，但同時警告着勿對資本主義有無限的頌歌，文明的社會似乎和自然型態別無他樣。然而大師的解讀又何止一樣，我亦只是順著策展介紹的主思路而行罷了；作品中單抽質感對話的成份閱讀也未嘗不可。權威點的解讀不妨參考場刊中對每展品的訪問錄，都透露了作者的心路歷程。

有興趣串起大館兩個當代展的朋友應先看邊界與遊戲，以免精神狀態過於強烈，造成回不去童真印象的場面。

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作者：波利

一開始聽到主題，未知誰是藝術家，以為這會是一個充滿童趣的展覽；結果深入一看裡面探究地緣政治及人民的生活，又擔心會過分沉重；幸而展後感是一個不失義正辭嚴又充滿人情味的展覧。

大館2020年最後一組展覽是兩個個展，一是Francis Alÿs的《水限 __ 陸界: 邊境與遊戲》，一是Mika Rottenberg的《乞嗤》，分別盤踞藝方的一樓與三樓。兩展的主軸均以影片為主，但風格各異，還是分篇再談。

若說世界語言是音樂，今天恐怕遊戲這件事也要角逐這名號了；《兒童遊戲》系列透過拍攝一系列紀錄片式的實況短片紀錄各地的遊戲。不需要任何文字說明，就像小時候在公園望著其他小朋友遊玩，不知為何便知道遊戲怎麽玩，一下子便打成一片。抽離一點看，望見一些第一身的追逐，亦很好奇藝術家如何這麽快融入他們。

歡樂的外表內裡卻暗藏很多細節，部份在取材，部份則在內容。我陳腔濫調些要指出那些木枝扮演的槍擊追逐和利用鏡面反射模擬狙擊槍的紅外線，可能反映地緣政治不穩的情況。但主軸不僅如此，每個遊戲中的觀眾的思考和反思，我會覺得比起我們旁人強加一些類社會意義更重要。比方說Francis本身《橋》的理念便是從打水飄的思考而來。

電腦椅的佈局隨觀眾的意志而散佈，波利所到之時，基本上無人使用的整齊排列。但另有朋友到訪的時候則散落各處，情境呼應著音樂椅遊戲的畫面，如果由孩子決定，椅子又會如何使用呢？也許年紀漸長，我們都失去了遊戲與想像的能力。

展覧的主軸就是《橋》與《遇河之前莫過橋》，兩個分別用了不同形式連接哈瓦那海路及直布羅陀海峽。展中用了影片，新聞紀錄及藝術家的繪畫等去展示兩件作品。

幸好大館介紹了Francis Alÿs，波利正好借這個機會談一下Concept Art（概念藝術），如果撇開教科書的定義，我們應如何理解。概念藝術普遍指的是有背後哲學理念的藝術，所佔當代藝術的主流。然而在這例子中概念不僅是創作目的，更可以說是藝術形式本身：一條橫跨哈瓦那海路的橋。擴展作者以往的行為藝術比方說移山填海、留下油漆的道路等等，由船形成海路概念上的橋，便是藝術本體。不論往後形式用了新聞還是錄像去記錄，種種只是帶出這其中的局部。

走到最後展覽還提供了作者一系列的明信片記錄了作者不同的行為藝術，有興趣的話不妨長閱。回應文題展覧透過有限的展品介紹了藝術家探討土地的一面，作為個展我認為很成功地形成完整的論述，我亦很享受與各處小朋友一起遊戲的時光。

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作者：波利

香港藝術館與烏菲茲美術館合作的消息在2019年末簽下協議之時後觀眾早以引頸以待，等到2020年末將至，可謂呼萬喚始出來。如果你今年只打算看一個藝術展，我會告訴你就是這個《波提切利與他的非凡時空》展。

時值波提切利難得市場僅存的年輕的男子預計明年將會拍出，這位文藝復興的代表人物瞬間重回市場的焦點。而本次的展覧中，烏菲茲美術館自不可能借出如《春》及《維納斯的誕生》等作，但極其難得地竟然在展品清單中居然有同樣知名的《三博士來朝》等名作，絕對以讓觀眾感受烏菲茲的文藝復興魅力。

《三博士來朝》其中一個知名之處，便是畫面的左方隱藏著作者本人的自畫像突破第四道牆望向觀眾，亦是後世大量畫家相繼使用的做法。同時大量宗教題材的他，《三博士來朝》是不斷出現的題材，有趣的對讀當然是晚期充滿迷團的《神秘的降生》，氣氛的變換可以說是作者本身心境由盛轉衰的寫照。不過此作非烏菲茲所有，而策展人也另有想法將另一作者的《三博士來朝》同置對比，突顯處手法之異。

由於疫情影響相信導賞短期內未能成行，波利在此多談兩咀，望能為各位看觀展前後有更多得著。在策展的角度而言，我會說由於展藏極為珍貴，令館方的目標也頗為宏大，要知道波提切利本身已可成一展，題中波提切利與他的時空泛指文藝復興前期，亦是極大的一個課題。而部份作品中館方亦想帶出美奇第家族與他之間的愛恨情愁，相信此處也只能開個幕簾。不過親自走一轉就發現策展人確實在各個目標中周旋與使用有限資源盡力發揮的努力。值得一讚的是館方與合作單位也努力令市民身處的時空與當時產生互動呼應，為盡一番力。

回到展場，波提切利的作品因應展區主題散落各個展區，肖像、各常見的基督主題、再回歸肖像，某程度展示著文藝復興的藝術世俗化。觀眾最期待的維納斯沒有來可能亦不太準確，為回應觀眾的期待，展廳也陳設了另一藝術家參考維納斯的誕生的作品，姿態相若相信足以止渴。

在最後的肖像展區策展人也強調了波提切利繆思女神的肖像，這位傾國傾城的女子在波提切利的手帳中每每出現，雖然23之齡便香消玉殞，但傳聞卻成就了《維納斯的誕生》及《春》等神作，很難想像她對人類文明的意義。難怪繆思的概念從古希臘一直至今仍然流傳，畫壇更加比比皆是，哥雅的女伯爵，林布蘭妻子的花神，沒有爭女事件也成就不了畢加索的藍色時期。

除了女伴作為重要的生命事件，師徒亦作為生命事件的重要關係。波提切利早年名氣已達極盛首要是美奇第家族的賞識，二就應數到師傅的教導。兩代的師傅的痕跡都可以在其作品找到，而今次的展覧則展示了第一任師父利皮及其兒子同時是波提切利徒弟的作品，傳承之處不難在作品中找到，不熟悉波提切利的朋友也許分不出其分別。

作為公眾的藝術館，烏菲茲珍藏展適合不同跨度的市民參觀，循著動線大眾可以了畫家與文藝復興的幾項重點，而資深粉絲對著三博士也夠看一個下午。雖然沒有導賞團，錄音導賞仍然有助讓觀眾了解更多。

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作者：波利

在畢業展被取消延期掟上網的一年，《出爐》雲集本年各學院畢業生作品的展覧就顯得份外重要。其中亦能看到各個院校甚至地區在藝術中的不同取態與進路，為創作者帶來一些思考。在多媒體藝術日漸壯大的潮流中，可以見到相關作品佔滿場地及投影屏，其他的作品則以繪畫及裝置為多。

同時很高興有早前香港藝術中心受訪的幾位同學作品展出，詳情可以參考之前畢業展的文章。

就地域而言，看到本次參展的內地同學愛好多媒形式較多，內容往往存有文本性。反觀台灣同學的圖像性則較多，其中有直接而感觀性的趣味。香港同學既是主場，作品種類當然較多，三言兩語則不特別去歸類。

繪畫而言波利印象較深的是中大同學謝承軒的《行旅圖》，觀感上有一種中世紀壁畫的風格，微弱的透視與立體感，加上幾近完全由人群所填滿的構圖，有力從古代借用一種帶有歷史感的行旅既視感。作者在文字上引用的是摩西曠野之行，從本身便帶有希望與其消磨的矛盾糾纏，放在現今背景，正是如是具歷史感的寫實一幕。

另一幅則是台灣同學蕭瑞宇帶來的《姬人的煩惱》，這是一幅極多象徵細節而用於比喻自身心路及情況的繪畫，幸而作者並無吝嗇文字介紹，為觀眾引路，方有機會進入其畫中世界。設計上姬人為東周君主，在禮樂崩壞之世不論是管治或是世道均已無力回天；然在此處姫人自是作者本身的心境寫照。如此之境述事若盡於此，似乎猶可如後主的樂不思蜀。主人公頭上之處暗引但丁地獄景象無為之刑，少年的煩惱不在無為，在無為之輕。作品使用水墨的媒介構成充滿象徵符號的古典作品。

關於浸大同學不妨介紹兩件有趣的裝置。周芷瑤的《本相》也是簡單直接的想法，直接的還原工具作為身體延伸的特性，不過當全套的工具羅列在桌上時還是有點可愛，其中的鑽頭、鎚子、耳筒尤其令人注目。

黃美琪的《抉擇實驗室》也是令一項頗能反映少年煩惱的作品，而極為文青的外觀也很適合在咖啡店等地展示，同時此作亦得凱倫偉伯藝術奬的青睞。面對人生決擇相信不止藝術品中的簡化了的一步又一步，但若是以同等的優雅去說述，人生看起來也好像美麗得多。宿命論的最後除了一張收條，可能只有更多的受害者。

在此多件獲奬作品波利並無節錄，同時也欠奉多媒體的作品，始終現場體驗會更為有力。展覧展期較短，僅至10月23日，內容有48位畢業生的作品，是相當反映他們對時代看法的展覧。

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作者：波利

這次的秋拍與過去相比有幾大特色。一是與春拍離得特別近，因為疫情關係上春拍延期至7月，所以不足三月間第二次大型拍賣又再度舉行。反之往往成對的佳士得則在11月才舉行，究竟誰的策略正確，我們拭目以待。二是拍賣場和預展的分離，今次的拍賣場回到蘇富比中心，而預展場地則繼續在會展舉行，不過相信這對銷情影響不大，始終預展中心血來潮轉身便買的客人是個小數。沒有拍賣的槌聲，這對參觀來說令場地分別清靜。三是鎂光燈的強度，說的是傳媒的焦點；疫情下賣家持觀望態度，例如有望挑戰達文西《救世主》的波提切特《年輕的男子》預計明年1月才開拍，同場亦不見無極三聯或如春拍《自然頌》的巨幅之作，加上沒有外借《向日葵》等高估價作品，總拍價估計難以上望。

雖然如此作為展覧仍有不少精采之處，由官方新聞稿可見秋拍預展的一大焦點竟是一件非賣品。說的是《康熙南巡圖第六卷》，卷幅橫跨展場，未走近看已是相當震撼。單是失佚與追尋各段全新合璧的故事已經充滿電影感，配合江天一攬充滿霸氣的御筆提字，當然是不可錯過。

1. 康熙南巡圖第六卷 （局部）

2. 梵高 – 玻璃瓶中的花

在歐洲場的展廳中可以一睹梵高的真跡是意外收獲，作品完成於1890，是梵高臨終一年的作品，估價自是過億港元。畫幅不大，但風格已經是最後時期的手筆，特別是植物的筆觸處理可以聯想到遺作《樹根》。

3. 貝尼尼 – 秋天

偉大雕塑家貝尼尼的作品，最著名的作品有《阿波羅與黛芙妮》和羅馬地標《西河噴泉》。秋天曾在世界各地巴洛克展覧亮相，精采之處當然是主人公肩上豐盛的收獲，簡單明瞭帶出作品主題。

4. Banksy – 寛恕我們的罪過

藝文青都愛Banksy，此作除了是場地肉眼所眼畫幅最大作品，亦是作者本身最大畫作，單是這一點都足以現場朝聖。畫中右下的青年鐵桶中的黑墨暗示了他畫的是聖堂的黑框，不禁令人思考究竟彩繪玻璃的美是在其本身還是形式之美。Banksy自2010年起便以此題創作，罪過呼應的是塗鴉本身，用所謂罪過本身去尋求救贖。同場亦有Banksy呼應莫奈的有趣作品，不妨移步一看。

5. 吳冠中 – 北國風光

冠中老師北國系列的油畫中不少都是婉約的小品，而本作寫的是磅礴的雪山景觀，難怪展方將本作印在拍賣會宣傳品海報之上。作品在現代藝術晚拍拍得1.5億港元的高價，僅稍微於常玉的經典裸女作品。

6. 里希特 – Abstraktes Bild (649 -2)

而一向的焦點當代藝術晚拍則由里希特（Richter）的抽象作品以高於估價近一倍的2.1億港元成交奪魁。作品是藝術家一貫風格的作品，而在場地中亦無特別的保護阻隔，是難得的觀賞機會。

7. 曾灶財 – 書法

除了最主流的必看之作，也談一些有趣作品。九龍皇帝的作品數萬便有交易，只是多以流轉在私人收藏家手中，平日看見的機會越來越少了。此作相信並未是大家見過最精妙的一作，但香港人看到多會莞爾一笑吧。

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作者：波利

小城藝術館少少踏過界，今天談談PMQ正展出的《DeTour》及《Re-edit》設計展。有時在推廣裝置藝術時往往都會遇到一個提問，就是這有什麼用？確實裝置藝術不一定有什麼用途，或是說往往不是向什麼用途而創作的，但似乎對大眾而言一件龐形大物要是有一個用途，總有一種安心的感覺。

上周剛談到香港有不少同時是設計師的藝術家，今次的展覧正好作了一次完美的示範。PMQ的展覧礙於房間的大小，往往是欲言又止，但一旦動用到中庭就知道是一個重要的展覽。

公眾參與作為核心的展品在藝術界玩了很多年，例如Felix Gonzales-Torres的《Portrait of Ross》，參觀者擔當的就是時間或是疾病的角色，一點一點取走代表Ross身體的糖果，象徵著其因病消亡的過程。不一定是破，亦有立者。例如《Measuring the Universe》就是由觀眾量度身高，在牆壁上留下可視化大數據的有趣作品。而中庭展出的《聲駅》則用了日系的木造建築為概念包裝上一身文青外觀；原型電路版的四條音軌與錄音室形成濃厚的設計感。觀眾同時亦是創作者透過調音與錄音，連結未來長椅上的傾聽者。

繞過《關於光》的偏光片大型裝置，則是Re-edit設計展的入口。甫進入已經是藝術館的格局，例如入口左側的一片畫框展示著文智來的《Routine Fantasy》。不過和大多藝術展不同的地方在於一些展品是可以接觸的。例如《十種氣味》一作，可以把如同金莎朱古力的香囊感受一下逝去的虎豹別墅當中暗藏的味覺。

佔去場地大片的是香港室內設計協會的《包山》，將原來包山的形象化為連綿山海。在山的概念擴展之下，原有征服的高山概念似乎的所消卻，取而代的是丘陵群山的豐饒景象。除了密鋪的平安包，我會說燈光及空間設計是作品的重要一環，環山而走的互動可以給予觀眾有機會去細細觀察。

談論用途可以看看和建築的一張長椅《Rough to smooth》，既是長椅則不必眼看手勿動。透過水磨的工藝長椅的質感在細緻與粗獷之界游走，事實上我感受到這對石椅概念的泛性概括，在某某觸感之處亦勾起我對某時某地的回憶，可以說是哈利波特的儲思盤般。若不說是石椅，恐怕沒有人會忽略其雕塑的特質，流線的細動與光影的交互，座落在公共藝術與雕塑間的趣味展品。

不得不承認當解決，進而放下了「這是什麼？」的問題後，注意力不難轉為對作品的直接注視，直接對談。設計展的作品相對沒有複雜的故弄玄虛，展板也明明白白的告訴觀眾正探討的是怎麼樣的社會性議題，可以說是裝置藝術的入門班，適合各年齡或背景人士。但千萬不要看輕設計師的妙思，設計者的高明之處正是思用家之所思，令一個展覧亦看得不費吹灰。

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作者：波利

在中環雲咸街拾級而上，藝穗會的對面原來隱藏著一間小小的畫廊，映在街角的櫥窗有一張空椅。說是空椅，不太準確，實際上椅上水滴型的雕塑亦是本展的同名作品《放輕鬆》。

香港畫廊展覧地方所限放的多是畫作，不經意地波利相對亦少談一些雕塑家。本展的黎志文教授則是一位香港出生的雕塑家，但主要在台灣發展的藝術家，有趣地最近才在香港舉行第一個個展。

雖然展題是輕鬆，但實際上內容上也是需要一些心力消化，簡單歸納的話很多都是空間及距離之中的課題。在香港其實探討這些題材的藝術家或藝術品是不少，其中一個原因是香港有一群建築或設計出身的藝術家，不時將工作是的領會帶到藝術領域中加以發揮；又或是以公共藝術的形式在我們的生存空間中共存。以雕塑為主媒介的黎當然在世界各地都有公共藝術作品，但相信各位亦不會預期能將他們帶到展中，不過展中可以看到更多在平面中談到空間的方法。

《太空探險》的進路是充滿懸疑的，暗帶飛沙的半球是畫面中唯一最清𥇦的具象，顯然指的是星球。其上的數筆可以說是三角的方柱，或然是軌跡甚至其實是更遠銀河的景象，趣味的是何種解讀均不影響太空探險的述描。時間上是歸來之時還是滿懷壯志的出發，甚至是不幸墜落，無垠的時間線上就如無限的空間一樣，難以定義其立足的地方。正如黎創作所實踐的理念，打破非具象即抽象二元謬誤的想法。

《五月天》與《漏水的房子》是兩件作品，而策展方將其放在一起對讀，亦是不難理解。在手法的層面房子的雨點的處理擺在眼前是同出一轍的，在同樣的方法下內容的對比和思考的問題反是更易浮現。遠景對比的是近景，外來的雨對比的是內在的滲透，虹彩之白與玄幽之黑，雨和漏水之間又是否有其因果關係？在思考的盡頭不得不回歸以上體驗的內化，重回自身與自然的相互關係，經驗世界中容易忽視的內在世界。

除了繪畫，金石工藝同樣精妙，首推《芽》《山水》等的有趣作品。題說輕鬆著實不易，可能作者實際談的是看破體骸以外的那一種輕鬆自在。

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