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《當我們面臨困境》:Para Site情感之旅

作者:波利

這是一個情感濃重的展覽,策展人佈下重重的幕簾包圍之下,有人在看似自由,而處處受限的處境可以說已經是策展人獨立創作的一件作品。設立動線的安排確實是策展人的想法,雖然並非強制,但隱約也可以看到那種從內心吶喊轉化而趨向和解的一種路徑。

氛圍情感濃重但展覽當然不只有情感,作為Para Site第七屆新晉策展人計劃的展覽,Nomaduma Rosa Masilela及Thiago de Paula Souza是曾有柏林雙年展、聖保羅三年展及MoMA策展經驗的猛人,一如是處既往的展覽,學術基礎深厚;也為新晉二字設下更高的門檻。

輕走一圈便不難發現展覽不同的展品,都正在指向主題中當我們面臨困境(embattled)的一種狀態。灰幕之下的《我們為所有即將到來的戰爭唱歌》,我在未知其題的情況下進入空間,作品以哼唱的形式伴大量畫面以及碎片化的表演藝術,在這種作品氾濫的世代下,顯然此作殊別了一般的作品;經歷了二十分鐘明知可能未能改變但仍在掙扎之中,最後跳出標題的重量確實能承載整套作品的苦痛呻吟。

Noor Abed – Our songs were ready for all wars to come

作品遙對對面紅色簾幕之下的極具文本性質的《看見未知的她》,更能彰顯兩件作品之間的差異。

簾幕之隔,在展覽的中心是金正憲的《透過你的靈魂成為多位一體》,場中展出的是經過這次展題的變奏版本,原作在鹿特丹展出時是一個完整的圓形保護牆,邀請參觀者在其中進行冥想,感受萬物與心靈的歸一;波利相信決堤的改動是心靈面對困境的反映,同時作為此展的過渡角色,同樣表現出受創至到內在和解的過渡狀態。

金正憲 – 透過你的靈魂成為多位一體

《你有聽過藍莓尖叫嗎?》系列被端放在矮圓木桌之上,於我而言,有些餐廳紙枱布的既視感。事實上培根式的視覺語言,或說德勒兹的培根,視覺性地詮釋何謂「悶到人都顛」等狀態的論述,同時當然包含一語未能蔽之的其他長期獨處的心理狀態。然而本身亦包含着作者透過藝術進行內在和解狀態。

Sara Haq – 你有聽過藍莓尖叫嗎?

若你認為戰火太遙遠,談孤獨又太平凡,《Dancing Boi》可能更貼近城市人的社交式困境,「他者即地獄」的狀態。Avery Z. Nelson偏愛夜店主題,場中另一作品《酒神祭》亦是一例。幾近模糊的抽象分割是實際中每一分難以準確描述的肢體動作,亦是類集體意識間內在自我的掙扎游走。

Avery Z. Nelson – Dancing Boi

雖然是非本地策展人對香港的策劃項目,但展中其實沒有本地藝術的作品;策展人清𥇦明瞭自身對外文化的不了解,而沒有對於香港作過度的解讀,任由作品、語境及觀者自由交流,是策展人對自身權力的最好覺察。再說,世界上哪個地方沒有困境,哪個地方沒有正在努力克服著困境的人?


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香港當代版畫創作與走向:Nothin’ like the taste of Print舉隅

作者:波利

就我所見,版畫一直是香港平面藝術創作的中流砥柱,不論是專業藝術家或是業餘的創作者,參與的人數遠比想像的高。這是非常有趣的現象,先不談論藝術範疇,對藝術家來講,版畫製作的「成本」顯然比起素描寫生及畫油畫等為高,例如大型的滾軸器具或是銅製的版材等等;這可能是一個重要原因,令版畫藝術家之間有更強的聯繫,共用工作室進行創作。

近年在香港時有出現大型版畫聯展,比較大型的便是 2020 年由康文署和香港版畫工作室聯合舉辦的《20/20 香港版畫圖像藝術展》。該展在香港版畫史回顧方面,起了一個標誌性的作用。當我們再次思考或尋找香港當代版畫的創作與走向時,我認為漢雅軒正在舉辦的《Nothin’ Like The Taste of Print》值得探討。

物料性、工藝、本源探究

與眾多藝術媒介相同,我認為當代之中有一個脈絡的藝術家會傾向重新發問這個媒介的本質是什麼,用最原初的方法一筆一劃地重新做這件事,然後「再發明」這一個媒介。

陳安之 – Fantasy from the TV screen

「可複製性」是版畫教科書式的定義之一,而陳安之的作品顯然是違反這個定 律:在絲網上直接繪畫,創作出極具即興性的畫面。目睹整個創作過程,可以說和壓克力顏料或油畫創作既相同又不同,陳安之的繪畫必須憑藉着自己對畫面以及物料的熟悉性,將所有筆觸以倒敍的方式放上畫面,同時由於顏料快 乾的特性,整個巨幅作品亦只能於一兩小時來完成。

對於觀者而言隨性的筆觸在畫面上,卻沒有一點凹凸的顏料感,實在是有趣的經驗,引發了必須借用這種技法的必然性,描述着版畫的獨特和無可取代。

對於什麼是版畫的詰問不一定是經過創新的手法去思考,重拾一些古舊的技法何嘗又不是一種藝術的現象學實踐?美柔汀(Mezzotint)是一種16至18世紀英法極為盛行的肖像畫印刷方式,但展中的藝術家用以表達的進路亦各有不同。

劉杭霖 – The alluring daffodil. The destined idolatry

劉杭霖利用技法中的古典感覺重新探討神話傳說的靜物作品,張梓祈就利用美柔汀大幅度的光暗對比與過渡色彩,描寫隱藏着濃郁情緒的風景,余沅榆作品中提取著美柔汀含蓄的黑化為猶如燭光畫的神秘氣氛。

余沅榆 – She goes, but in circle

顯然他們都不在受制於技法傳統上對於肖像畫的引用,而是回歸本源重新思考美柔汀中的長處,並在作品中加以利用、探索、甚至再發明;混合使用其他版畫甚至非版畫的方法讓他們所想表達的被看見。

張梓祈 – Afterglow

媒介與跨媒介

跨媒介自然是當代藝術一個常見的手法,這也造就到藝術給予人一種不受束縛的感覺。版畫這種看似傳統的手法其實在現代繪畫的時期也曾被視為一種新媒體創作的形式,而前人亦曾經創造過許多有趣的跨媒體實驗,比較經典的有利用打印機或影印機的版畫作品。

對於跨媒介,我認為版畫本身有其天然的優勢,就是版畫領域之中所接觸到的物料或用具眾多;物質性一點的有金石木塊或是機器,科技一點的有印藝、設計排版等,本身便需要廣泛的技術背景去完成一件作品。

李寧 – Looker 1

著名紋身師李寧的創作可以說便是這種「天然地」跨媒介的一個例子,在一些訪談中他亦承認紋身的創作思路對他版畫的創作有很大的影響,甚至可以說是把方法搬過去;比較注目的通常是一些大型的黑白漫畫作品內裏,包含大量具有類紋身風格而隱含着故事性的篇幅內容。線條是他創作的利器,因而他喜用麻膠板材,在不過數十厘米的尺寸之中,引用了極大量的線條表達甚至陰影細處也用了極細的線勾劃。

林樂新 – So Close, So Far 09

另外一個跨媒介的例子當然是攝影和版畫,早在19世紀雖然攝影解決了畫面求真的困難但並未解決媒介傳播難度,大量的攝影版畫被應用在報章上;更別提銀版相機沖曬時與版畫幾近近親的相似性。例如林樂新的《So Close, So Far》系列,便以木刻技術重新詮釋一張照片,可以說是以最長的成像技術對比最快的成像技術,取材以家庭舊照為主,一點點的坑紋亦回應着照片中像是雜訊的效果,重現著回憶甚至會無從回憶的朦朧。

第三個想提起的跨媒體實踐便是動畫。動畫不一定只是用來在陳述的客體,在創作過程中也可以是提引的題材或是一同展出的對照物。

陳卓甄 – The Jelly World – Candle

在《20/20》同樣展出過的陳卓甄《Jelly World》便同步展示着剛剛提到的兩種可能性,透過差異訴說着兩個媒介之中啫喱世界的共同性;馮捲雪和李寧則在透過共同展示擴展着版畫之中虛擬世界的景象和視界。

二次本土性

我這裏提到的並非文化研究上的本土化,而是在藝術史觀點上香港藝術傳承到這一代的特點。在開埠至今的數十年時間,香港藝術經歷到內地的傳承加上留洋派的混合之下,本土地培育了第一批的藝術人才與藝術家,以及一系列的本地藝術學院。簡單經濟學上看,這當然令到藝術的傳授與人才的培育更加容易,並如雨後春筍地快速發展。加上近年國際畫廊的湧入以及政府的大力推動,可以說香港人在香港的根上有第二批的收成。

他們的作品中總有一種對於香港這個地方的純粹關注,當然表現的方法有所不同,有時是對一些景物的平抑白描,有時是對一些被忽略的景物,極細處的深入描寫,有時是對這個環境空間被忽略的重新關注。好像一雙雪亮的眼睛重新去看這個世界一樣,某部份說也算負了海德格談到「藝術在科學觀點以外重新審視世界」的責任吧。

劉家俊 – Into the Hard-Boiled Wonderland

劉家俊的作品都聚焦在城市的風景,幽暗的前景後面往往伴隨着植物和城市的天際線,光是這樣的構圖已經訴說着必有共鳴的城市規劃邏輯。相對傳統的木刻技藝加上精細地對植物明暗與光的描述,談論着香港的黑夜,我像是在晚上散步,寄着街燈,向遠處望去的風景一樣。

黃皓珵 – Inside/ Outside – Flowers and barriers

黃皓珵則像是平淡哼唱著為這個城市創作的新童謠,沒有太多廢話而佈置的景物背後藏着可供詮釋的故事線,同時曖昧的着墨色調更讓人在手繪之間摸不着頭腦。藝術家在畫面與標題之間留下很大的思考空間,讓人駐足半晌。

結語

《Nothin’ Like The Taste of Print》裡 21 位參展藝術家的「目光引用」,似乎回答 了版畫是否屬於二級媒介的辯論議題;當然對很多版畫愛好者、創作者而言,這當然是一個假命題。但某程度上部份社會人士有這樣的刻板印象,也追究於與有一些主流知名藝術家借用「可複製性」進行大量的版畫創作以牟利有關。

在當代藝術的語境裡,版畫的獨特性顯然不限於以上三點的討論,版畫創作仍然存在更多的可能性,有大量的藝術家仍樂此不疲地進行探索。如果你也同樣思考當代版畫的未來或是單純喜愛版畫藝術家的作品,你也會對這個展覽感興趣。

(圖片由漢雅軒提供)

Nothin’ Like The Taste of Print
展期:2022年6月18日 至 8月13日
地點:漢雅軒

藝術家:
An Gee CHAN 陳安之 / Glo CHAN 陳卓甄 / CHAN Yi Ting 陳伊婷
CHEUNG Tsz Ki 張梓祈 / Kylie CHUNG 鍾家愉 / Marion DECROOCQ
Michelle FUNG 馮捲雪 / Nicolas HO 何尚恩 / LAM Lok San 林樂新
Justin LARKIN 樂仕賢 / LAU Hong Lam 劉杭霖 / Jay LAU 劉家俊
Chivas LEUNG 梁慧欣 / LI Ning 李寧 / Erika SHIBA 柴絵理香
Aki SUNG Oi Yau 宋皚柔 / David Jasper WONG 王大為 / Jeannie WONG 黃皓珵
Vincent WONG 黃俊峰 / Glary WU 胡愷昕 / YUE Yuen Yu 余沅榆


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專訪馮捲雪Michelle:世界的多重面向構成

作者:波利

無論是藏家或藝評人都很容易媒介主導地定義了藝術家是從屬於如何的框架,或多或少可以提供一些參考,但永遠都總有無法定義的人,尤其是我們談的是藝術。

單在版畫展的一隅中看到《寶綠達九十九景之三十三》的標題,已經可以論定這位藝術家必不簡單;居然有膽量先行預告一個涉及九十九件作品的大型概想,除了出於對藝途的自信,更顯出創作的魄力。更大的迷團是寶綠達究竟是何處?隨手請教Google居然查無結果。馮果然是一位越去探尋越有驚喜的藝術家。

寶綠達九十九景之三十三:團花錦簇

要去談Michelle是怎樣的藝術家,恐怕亦只能夠從這一個神秘國度說起。也許行文至此聰明的讀者已經猜到寶綠達(Polluta)是藝術家構想的2084架空國度,內裡居住的是一群藝術家,其他設定上的細節我便不著墨太多;馮透過如此虛構的世界不經意地不停探討着各樣的議題,有趣的是這樣的探討看起來卻更像是這個虛構國度的有機擴張與現實世界相撞的必然結果。

《寶綠達》居民入籍面試表演藝術 (2018加洲個展)

此處她提到一個有趣例子,在加州的寶綠達主題的首次個展中,出現了以國民申請為題的作品(該表演作品首次於香港2015年演出);在當時剛好踫上了墨西哥移民及圍牆的熱烈討論,令展覽更添上一分特別的意味。令人驚訝的是當中的題材在在事件幾年前已經萌生,似乎注定了預言及寓言的雙生特質。

此時我亦好奇究竟版畫中,眾多複雜的細節是來源於寶綠達故事中的文學性,還是另有所指?答案可以說是部份正確,另外未被揭曉的部份,居然是溫馨又可愛,是從不同小朋友的畫作而來。原來Michelle創作以外亦會在社區之中舉辦不少以環境與藝術為主題的工作坊,參加者創作同時也以另外一個身份在畫廊出現;你可以說這是社區藝術常見的手法,但可以玩得這麼不落踪影,卻更是令人欽佩。

2017年在香港聖公會聖彼得小學舉行「寶綠達」工作坊

除了寶綠達(Polluta)字源中的環境議題,烏/敵托邦也是作品中的其中一個探討;隨著藝術家對於文學作品似是而非的大量引用,構成了世界給真實又虛假的模糊邊界。

除了多向導的議題和思考,藝術家本身也擅長於多種媒體的運用;這並不是只由於她本人的多才多藝,而是她創作的方式本身居然是先定下創造的媒介,再奮不顧身地投身去學習實踐。以這次的版畫作品為例,不難看到不斷突破的創作軌跡,用沒有時間線的散敘描述的寶綠達九十九景。版畫首四十二張是第一章,第二章版畫將會以十八層地獄的方式呈現下一階段的寶綠達,現在是實驗階段。

天空膠雨

Michelle嘗試過的正式創作媒介包括表演藝術、繪本、動畫、版畫、繪畫、裝置等,沒有媒介的限制似乎令其假想世界的構成更加自由。

現時馮捲雪正在保加利亞準備她八月的最新博物館個展,亦正在籌備她的北極圈藝術家駐留計劃。我們期待她九十九景的最終成品,以及其寶綠達創作的後續發展。


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淺論香港藝術館呂壽琨回顧展

作者:波利

這個2022年交替之際,在公營領域似乎沒有太多值得一看的展覽。例如M+要看的朋友應該早已前往,甚至完成二刷;大館亦沒有祭出與國際藝術館的合作項目(當然信任與迷惑,如未看過還是值得一看)。因而香港藝術館的呂壽琨展,可謂下半年的一個亮點。

除了香港藝術館的四十多幅館藏,呂氏家族亦借出約十幅珍藏作品;需知道HKMoA是極少為藝術家舉辦個展的,是故此展令我既喜又悲,怕的是這展覽是香港為呂老舉辦的最大規模展覽了。從這前提看,恐怕辦得不夠好。

當然難度是有的。從副題尋禪之道展開,由練習的摹仿作品、傳統國畫、最著名的禪畫,以至學生作品都有展出,涉獵範圍與邏輯關係也有了個大概;但題目太大總很難說得圓滿,不過絕對能以前輩的作品自身來彌補。

山水橫幅

繞過玄關展區,先看到的是一系列的風景國畫作品,這區擺放的,例如《九龍避風塘》並不算最嚴格而言國畫系統的作品,採用了寫生式的線條,伴以水墨特性而成。《調景嶺》《海港》等顯示出禪畫以外的創新之處。

而在禪畫的展廳之前,則是呂氏家族捐贈作品為主的傳統國畫作品。反而是這些卻令我對前輩有更多的認識,水墨創新可能是很多當代朋友的第一印象,但至於作為一個中國美學家及國畫大師的一面,透過這一批作品似乎是更好的展現。

漁父圖

國畫的題款需要有一定的要求,但內容、如何處理都是很個人的;看呂老的作品題款就好像是上了一節美學甚至是中國哲學課一樣,有一些是借仿藝術家時順道透過題款介紹這位藝術家生平風格特色以及對其的看法,又有像《漁父圖》對歷史事件直接提出哲理性的想法。

遺憾的是香港藝術館對於自身強項,國畫賞析的領域並沒有發揮更大的功能,不論是文字上或職員的介紹均不能協助初學者更了解作品為什麼好。沒有令人失望地他們軟件上提供的是更多的滋擾,例如在鑲裱完好的作品前下不必要的界線、使用沒有電子版的附加資料。唉,不說了,他們不會改的。

重頭戲當然是巨幅的禪畫,放在今天藝術價值無減,已放在五十年前時代意義更濃,擺在眼前地回應着香港的藝術家甚或是中國藝術如何呼應着世界的浪潮前進着。

回到展覽的另一展區,全展另外的一個亮點便是最後一個展廳展出受到呂壽琨影響的一眾同儕、學生藝術家的作品;同時背景播放着前輩授課的錄音,專注地聽課,實實在在地感受到因為藝術大家的美學思考,也非常羨慕早一代的藝術家可以受到這樣的教育熏陶。這一種在其他大師作品中尋找呂壽琨的體驗亦是十分奇妙。

雖然上文有些批評,但總括而言觀後感仍是圓滿的,在選材上涉獵了不同範疇的一些有趣作品讓觀眾可以多角度地了解大師呂壽琨的各種藝術面向。而尋禪之道的目標我見是未能達到,尤其是觀展之後可以觀察到大師的藝術修為背後有強大的中國藝術、史學、美學觀作背靠;一路走來,絕非三言兩語,不如說是回顧展更有點韻味。

步出展廳,翻閱着前輩的手稿,巧而拜讀了《今日在香港談中國學術,應有的認識》,開首便提到了「香港文化沙漠說」;多想向前輩說一聲:香港已經不是文化沙漠了,這不都應歸功於你嗎?看到了世代的問題,身體力行的去改變他,也許這樣的事實更好的歸納了大師的尋禪之道。


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身體作為風景的存有,而成風景:《體會》

作者:波利

經過幾年的努力,若我說體模社是香港最權威性的人體模特兒機構似乎亦不為過;不過也許他們並不喜歡我用權威這個充滿權力宰制的字眼,因為有留意展覽的諸位,也會看得出那種坦言的訴說感。

身體的課題,是簡單而深刻的。而最難的地方是放下那一種觀看的枷鎖,回歸身體是身體的想法。在這個充滿意義的社會,甚至是藝術社會,有關身體的意符實在是太多太多。波利這次看展前也是如此,會想先了解一下這展覽背後的動機?是什麼想宣揚的概念是什麼?然而我會邀請大家放下這些想法。

展覽的場地是全新的,這裏全新的意思是不曾用於藝術展覽,是葵涌某處連電梯也不到的工廈閣樓,比起大家熟悉的安全口更加粗獷。轉到入口處輕柔的薄紗就忽然文清了起來,邀請你進行不得已的赤裸接觸。有趣的思辯是不論你內心有否出現這樣的爭扎,人家其實不在乎。

偌大的展廳中的色調,可以說是灰調,粗獷而自然,自然的光線帶點侵略性的指向展廳,與作品進行自然的干涉;這樣的美景,連攝影師Simon C本身亦忍不住重新記錄作品這樣的可能性。聽說這個展覽最美的時份,是下午五時,入黑之際,投影與外部光線的交涉來到了全天的高潮。

比起展覽引起的周邊議題我會說藝術家Simon的鏡頭是更純粹一點,他並沒有宰制你如何去看身體,幾幅無題作品有的存在着巴洛克式的擺拍,有的卻像是家庭式合照的自在,可以解讀為對身體的某些看法,卻也不強迫解讀。

正如同展覽的整體,可以說是一個存在着廣度的深度空間;觀者不必裁剪出個別作品的單一性,而是看和思考着空間。在某些地方啟發了,需要深潛,則有模特兒的訪問,呼應的詩歌散文,或是理論的讀物可以進一步發想。

這個閣樓連天台也許會成為香港展覽場地的新寵兒,展覽的進路是身體作為風景的存有,而成風景;有什麼被俯瞰整個葵涌風光的天台為更好的呼應?梅洛龐蒂《眼與心》:從風景而置身,以及為何人需要看見身體的兩大詰問,在此似乎能得到不錯的思考空間。

展覽的存在已經象徵着議題已逐漸鬆綁,一個18禁而且在工廈舉行的展覽,已有着不錯的人流和支持者。作為香港國際攝影展的一部份,廣而深的理解亦適用於展覽的周邊講座,對女性主義或身體議題有進一步興趣的朋友,可以積極參與。


私人展覽,必須預約: https://forms.gle/7RmP7TCpx5t4k4Nc9
展覽含裸露成份。觀眾須年滿18歲或以上,才能參加在展場舉行之節目。


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六廠于一蘭個展:編織東南亞文化視域

作者:波利

《直到我們再度相擁》多麼美麗的展題,可以直指環繞全場的一系列擁抱作品,同時在文化交織的寄望之中,又隱含着那麼的情感元素。

檢視一下,波利過去文章中竟然那麼的剛好,沒有談到有關六廠的文章;實然他們展覽的學術深度與當代性都十分出色,所挑選的藝術家都值得一看。例如這個展覽他對單一藝術家所剖析的深度與野心,較大館早前的《水陸邊界》我見是更勝一籌。不過當然織物作品在策展上的處理較概念藝術難度是有所不同,不必硬去比較。

但話說回頭由於南豐紗廠這個項目,商業元素比大館更甚,當天觀察到有不少觀眾都是突然發現自己正參觀藝術節,對於完全沒有導賞甚至是展覽小冊子的安排,加上作品本身算是頗有門檻,在藝術普及而言波利不得不扣點分。

《對你愛愛愛不完》

不同與六廠的取態,波利先放點容易入口的。《對你愛愛愛不完》是六廠的委約作品。令我想起初次與柬埔寨朋友交流時,極度驚訝華語歌曲對他們的文化影響。

《漫無目的的遊走》

然則她的媒介就是這麼霸道,似乎內容物無論放些什麼也能成立。《漫無目的的遊走》在此以下存在了一定的呼應,但卻拓展了媒介本身的內涵。伴隨同展覽的《織墊帶》卻又不帶含糊地回到視域的背後講述這一個媒介是一個怎樣的存在。

形式以外,更重要的是她作品中所探討的內涵:殖民、權力、他者。從哲學看這些在上個世紀已經開啟的題目,在她的藝術作品中說出,就不那麼舊調重彈,甚至從他們的身份中開啟了可能被忽視了的面向。

《大人物系列:以含羞草起頭之長布》

《大人物系列:以含羞草起頭之長布》輕描淡寫的一匹長布,卻有論文級的內容。雖說是多元解讀,但這一件作品其中一個解讀門檻是開放性的殖民地權力結構。普遍而言,在政治學上都有政府與人民的樹幹型政治結構所組成,但這是近代西方社會所出現的一種意識形態。而事實上在人類歷史中必然存有着多樣性的權力結構,扯遠點可能有例如教父式的家族式權力結構。

而在東南亞的殖民歷史中,尤其在散亂的島國管治,在地理成語文化中便展現出多樣性的權力結構。于透過起頭的植物例如含羞草、豬籠草、樹幹等的植物形態移至着這種去中心化的權力結構組成。例如含羞草便沒有太多的架構組織而是有如途中人群所示,各自以同心圓的方式向地區權力者靠攏。

這種展示方式並不能說沒有批判性,但同時亦從不被學術完全捆綁的形式,展現着這種社會的可能性和存在形態。

《七頭青鸞帽》

《七頭青鸞帽》展示了文化中同性友好關係的悖論,這樣說好像很難懂;簡單點說就是《古惑仔》中展示的利益、友誼、義氣等等合成物的再現。比起一句父權帶過,舞蹈表現出更為舉步維艱的男性社交關係。

而在YouTube上六廠亦準備了多場以藝術家以及東南亞地緣政治文化相關的線上講座,絕對能加深對藝術家整個議題的了解深度。展覽內容豐富,不論是順便看伊藤潤二,還是看伊藤潤二時順便看,與否,都值得一來。


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更勝相幀言情:《風景這邊獨好》

作者:波利

香港多風景畫家不是一代的事,而近年一些我很喜歡的新晉畫家很多都是做風景畫的。但是願意以這種正正經經風格做一幅風景畫的卻不算多,因為這實在是極難。在畫廊眼中好聽是正正經經,難聽一點就是老老土土,用硬功夫吸引市場目光是不易之舉。所以波利一知道有這樣的極罕展覽自然是馬上前來參觀。

香港藝術中心此層實質是一個三角形的電梯大堂,最遺憾的是樓底問題,令畫作未能以最適合的高度示人,對風景畫而言絕對是一大硬傷。

雖然如此,兩位畫家的作品仍是讓人心曠神怡,兩者風格相近,佢又有明確區分的地方。撇除主題原有的政治意涵,風景獨好是源於一種他人未能體會的心境,只有站在同樣的位置才可感受到那一種獨好。在此意義下畫面中孤清而略帶陌生的感覺,相當貼題。

風景其中一個吸引之處是其中的抽象性也很寫實,兩張夏午的風格偏向寫實,但是其中光在景物之上的描述卻充滿抽象性。尤其是兩條白色的橫線穿透了畫面,賦予了全作幾何與比例的優美。

而盧的Nothing to Envy沾染了某種巴洛克式的遺風,舞台式的構圖與渲爛的夕陽色彩。若求精細也許畫面上確有拙筆,但斷不遮蓋其妙筆之處。同時在展中孤冷的各樣美色添上一絲的暖意。

大畫出色,但這一幅畫幅雖小,但波利卻更享受。具戲劇感的光暗鋪排對比強烈,但並不是最突出地方;有趣的是面層油彩運用大量運用的黑,甚有畫膽。須知道畫面畫到一個地步基本陳述大概完結,要下這樣的重手,是一念天堂;稍有失手基本上只能重畫。但同時間也是這樣的決定,令這張畫有其他作品所沒有的韻味。


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《一攝無邊》:詩意記述劇場與香港

作者:波利

這個展覽波利期待了很久,早在展覽尚未成形,只是剛聽概念已是是相當期待。事實上對於國際演藝評論家協會(香港分會),此展也是一個新的嘗試。

我的期待基於兩大元素,一是內容。四十年香港劇場史,六位攝影師,云云作品中千挑萬選的一百幅精華,如何不教人動容,這方面交由作品自己訴說。

二是呈現,IATC會如何呈現一個攝影展已是相當令人振奮,推開大門,漆黑的展場一反平常對攝影展光亮展廳的印象,像是一個半黑的劇場。內裏的空間像是劇場般一幕有音樂的呈現,例如初入眼簾的一瞬,半掩的屏風遮擋三個以不同時序播放的攝影作品,展現出劇場裏充滿動感的一面。這樣的情形如同典型劇場一般以一個角度去觀賞這件作品,而實際上觀眾卻又可以步入作品之中,以不同角度與速度觀賞。

展覧

整體一攝無邊的展覽概念充分體現着策展人陳國慧的深厚評論思考。因應這一批珍貴的劇場攝影作品,策展人設計了一套框架去討論舞台的六個元素:也就是「一人一念一瞬一是一地一會」,前三者是表演的核心,而後三者是表演的外圍環境,他們之間互相對應,例如人對應着場外的相會,但自身在表演內又與物等等元素互動著。我會講這個「六一理論」可以說是劇場的教科書,解構了劇場的閱讀。

展覽以劇場記憶作為主軸,而我深信每個人這裏都可以找到自己對於劇場的記憶;這不代表需要深諳香港四十年劇場時才可以觀看,展方故意淡化每一張作品的介紹甚至是劇目名稱,對於熟悉某些劇目或工作者的觀眾當然有更深感受,然而每一張相片在劇場記憶的命題下都是獨立的文本,伸延出無邊的領會。

問到她屬於她的劇場記憶又是如何的?她坦言有屬於個人的部份例如劇目《拾日譚》等。但再將評論帶入展覽的角度來說,作為評論人,以往看這一個形式的藝術時,總會同時探討社會等的宏觀變化如何與藝術形式相互影響。因而此處亦不例外,展覽的同時她希望觀眾能看見一個「香港」。

過去、現在、將來

《一攝無邊》展覽的動線是自由的游移的,但不無韻律。上層的幽暗空間與下層有明顯的區間;那是過去與現在、將來的分野,感覺上就像是劇場完結後選看劇本及交流的空間,在這裏才得以會見六位攝影師的肖像及介紹,以及補完剛剛看過的攝影作品介紹。

現在的部份則是參加了一攝無邊師徒工作坊的作品展區,而未來則是攝影師自己選取以表示劇場攝影未來的一幀作品。作品的寓意可以自行領會,在攝影師的訪問之中有部份會提到。

計劃中的口述歷史部份在展覽中多角度穿插,不僅有攝影師本人的訪問,更有藝術工作者對於參展攝影師作品及攝影工作的訪談,有助觀眾不只了解展中作品,進而其攝影藝術生涯。正如展覽才想達致的,不只想讓觀眾看到平時看到的一面,而是走進背後從不同的角度探討舞台。

*照片由IATC(HK)提供,攝影Ka Lam


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《詩意遺產》:誰的什麼留下了什麼?

作者:波利

大館《詩意遺產》的命題相當直率地讓觀眾了解展中的藝術品,這種直率並不代表藝術品沒有新意或意料之內,而是相當好的概括這一個文化狀態中的物品。從物的層次可以說有瓦礫、有知識、有事件的紀錄、有人工的模型,而他們為何能承載這樣的文化意涵顯然不是一個簡單課題。

從連續幾個展覽的大脈絡看,其實大館對於美學的藝術關懷都有一定的角度。遊戲、傳統、歷史、對話與理解,這些關鍵字自然聯想到高達美的《真理與方法》,側面地顯露出詮釋學對今天美學鑑賞依然的盤踞地位。

Jorge Otero-Pailos – 塵埃倫理:2011年7月22日

而遺產的探討可以歸結為一個問題:誰的什麼留下了什麼?顯而易見,有一些展品是屬於外地的遺產:《塵埃倫理:2011年7月22日》是挪威一宗恐襲慘劇的遺骸,雖然不是挪威人,但相信觀賞之時任誰都會感受到屬於人類共同性的不安。「誰的什麼」作為物的層次盛載著之於物以外的東西令其稱之為遺產。而在此刻,波利相信藝術是展現這無形者的最好途徑。

Alfredo & Isabel Aquilizan – 經過III:另外一個國家計劃

展廳稍前不遠是《經過III:另外一個國家計劃》,「誰的什麼」中的身份又似乎那麼的重要起來。船艦,或是屋舍,拔地而起三米之高,遙對牆上不一的海平面起航。為什麼身份重要?從字面的意思上,若沒有那個身份,事實上也沒資格繼承那個遺產。而在這作品的內涵之中可能船倉或是牆上的圖片都是他人甚至匿名者所給予的,而且岌岌可危的外觀反映了藝術家本人對移民的看法。

在一個新的身份,未明的國族認同當中得到的遺產似乎又未必令人順心,然而不如日常理解的遺產,人並有選擇放棄的權利;只要在於某個脈絡,這一筆業便會存在血脈之中。移民者在眾移民者群落之中建立了屬於這一群的遺產。

尹麗娟 – 此心安處是吾家?

回歸香港的作品,藝術運用了更仔細的文化細節去重構文化的載體,不過同時本地觀眾也執住更強的發言權和批判,藝術語言的運用必須更為精準。《此心安處是吾家?》作品的成立難以不基於詳細的香灰成份說明,而這樣的說明又不得不回歸文化成份,一個無力改變又瞬息萬變的基礎。在舊世代有祭祀意味的香灰,在外來文化看來也存在某種神性,但在新世代香灰治病不也只是個老土笑話?

這樣的脆弱與那樣的脆弱,似乎對傳統失去無限的婉惜。

說了通篇的遺產,豈能遺忘了詩?描述詩是論文級的題目,但要說一個容易被遺忘的本質,詩是直呼其名:荷馬看穿了英雄的宿命寫了史詩,不僅在其蕩氣迴腸,更重要的是對命運本質的揭示。拾起了遺物,捉得再緊,又會在指縫流走;只能在離去之時完整地交給可以保存的人。

仍是那句,這是只有藝術才可勝任的工作。


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HKVAC繪畫版畫畢業展20/21

作者:波利

近年不少同學都在畢業展的展題上大費心思,惟香港視覺藝術中心在20周年的節眼點上選了一個比無題更無題的題旨,可云專注藝術,心無旁鶩。

沒有展題,看展要先看大印象,一眼看去主要是當代風格,畫家的個性亦算鮮明。雖然版畫繪畫份屬不同媒介,仍然形成場內互相呼應的有趣局面。

尚有一個特別看點,波利今次也會參展,不過搞了什麼先賣個關子。

黃嘉穎 – 美麗新世界‧娛樂至死

先談兩件我個人最喜愛的作品,黃嘉穎的《美麗新世界‧娛樂至死》奧威爾式的標題卻沒有奧威爾式固化展現,隨意浮游又不失細節的敍事方法讓人想起東龍前輩的奇幻手法。從英文的細節看,究竟懷疑畫意有否那麼悲觀,或亦不然,是「娛樂至死」還是「詩意地棲居」,還得看畫中的各人如何判斷。

蕭達欣 – 荒誕生命鏈

蕭達欣其熟練而溫柔的筆觸一直吸引著我,慶幸筆觸在最後作品中並沒有缺席,素描人像恐怕是展中最為古典西方繪畫的元素。然而巧妙的敍事性,實在令人不禁要捉著他解惑。原來作品《荒誕生命鏈》是對應急救中生存鏈的五大環節,例如CPR急救以及AED電擊用戀人的畫像聯繫,各畫之間在整體的佈局上有細思的深層用意。

波利 – 人類文明精神 #1

要說吧,追尋藝術的方向似乎離不開創作,隨諸位香港主流藝術家學習繪畫對我的美學思考裨益不少。何謂藝術的大命題不如先用一個答案堵住大家的胃口,看看海德格的《藝術作品本源》透過我的繪畫能否給你傳遞什麼?

麥海倫 -《修飾》和《觀》

麥海倫的《修飾》和《觀》在波利和導師的第一印象都感受到濃厚的女性主義氣息,在兩幅牆壁感性與冷抽象的對立,我提出的辯解是透過《觀》的內容擴充了《修飾》的感性內涵,述說著那樣的瞬間,有著怎樣的心境。

林銳朗 – Augmented perceptions

林銳朗的《Augmented perceptions》是集合式的作品,其中自畫像的一作,波利看過是驚為天人。有一類的抽象作品是現象學式的繪畫本質探究,但林的作品似乎不是那樣的意圖,他的作品總是存在著未知的作者原意,而又開放讀者的詮釋。

李頴嘉應該是展中運用最多的媒材的,在展覽的轉角盡處構成一個小空間,有紙船、星球,以調色盤比如朋友的作品也許是對色彩運用最正確的解讀。

羅惠芳 – 子山

穿過門廊羅惠芳的《子山》在遠處盡頭輝映,簡單的幾件風景物像容許串聯解讀。色調和筆觸的保留也有一定的玩味之處。

林佩琪 – 大會堂、快活谷、這裡由a到i (左起)
微小塵 – 唯有咖啡是中立、卡式機上的太陽蛋、凝望 (左起)

篇幅有限,叫我不用談的同學仔,我也就不談了,祝他們在藝術的旅途上繼續順暢。

版畫同學的作品也同樣精彩,例如大門附近許朗慧的《七日》用凸版畫重視創世紀的故事有中世紀拓印的既視;陳秀然灣仔街角的四件套,散發着濃 厚感情是波利不敢直視的。

【藝術專修課程繪畫/版畫畢業展20/21】

日期:2021年9月22日 – 2021年9月27日

地點:香港視覺藝術中心

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